Violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo

En El Panel de los Leones vimos que los artistas del Paleolítico eligieron representar una escena del mundo que los rodeaba. Observaron cuidadosamente la apariencia y el comportamiento de los animales, y luego los plasmaron con gran detalle y realismo en la pared de la cueva. Como seguramente habrán notado, Violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo es un caso muy diferente. En esta obra de Mark Rothko, nos encontramos con un tipo de arte que nos permite ver con la mente lo que no podemos ver físicamente con los ojos: el arte abstracto. Me sentí un poco nerviosa al elegir esta obra, pues el arte abstracto tiene muy mala fama, pero creo que no hay otro tipo de pintura que te haga descubrir tanto sobre ti mismo como este estilo, así que sería una tragedia ignorarlo.

Tengo que admitir que las primeras veces que me encontré con arte abstracto no sabía qué hacer con la pintura o conmigo misma. Me sentía incómoda y confundida, porque no sabía de qué se trataba la pintura con una sola mirada superficial. Se me hacía ridículo que algo tan «básico» pudiera llamarse arte. ¿Dónde están las personas, el paisaje, los edificios? Sí, los colores están bonitos, pero, ¿significa algo? Si estas formas que estoy viendo no se parecen a nada, entonces, ¿la pintura es sobre “nada”? ¿Cuál es la historia detrás de esta pintura y por qué no la entiendo? Mini Sofi estaba en crisis porque, por primera vez, al querer platicar con una obra de arte se encontró con silencio absoluto.

Lo que me llevó mucho tiempo comprender es que el arte abstracto no puede platicar con nosotros como lo hacen las pinturas a las que estamos acostumbrados porque, en este caso, el arte se dirige a una parte fundamental y “primitiva” de nuestra existencia, una parte que experimenta la vida sin palabras y sin definiciones.

El arte abstracto ha existido desde los inicios de la Pintura, así que hay muchos tipos de arte abstracto. Un artista africano del Paleolítico Superior tuvo un contexto e intenciones muy diferentes al hacer sus trazos que un artista europeo del siglo XX, por lo que los resultados son diferentes. Sin embargo, en general, el propósito de una obra de arte abstracta no es imitar fielmente la realidad, sino que, utilizando los elementos puros de línea, forma, textura, color y composición, la pintura intentará brindar a los espectadores una experiencia intangible y emocional, única para cada individuo. El arte abstracto no significa algo en específico porque en su lugar te da la libertad de elegir lo que quieras que signifique para ti. Para apreciar una pintura abstracta, solo tenemos que tener una mente abierta e inquisitiva; tenemos que dejarnos arrastrar hacia adentro de la pintura y ver a dónde nos lleva.

Sin embargo, comprendo que es más fácil decirlo que hacerlo, así que iremos paso a paso, no me abandonen todavía. Este blog no serviría para nada si solo les dijera que tienen que “sentir” la pintura, sin mayor explicación.

Comencemos con un poco de contexto. En este caso, nos enfocaremos en el movimiento llamado Expresionismo Abstracto, pues fue a ese grupo al que perteneció el autor de Violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo, Mark Rothko. Los expresionistas abstractos surgieron en Estados Unidos, en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Como se imaginarán, el mundo del arte no se escapó de las atrocidades de la guerra. Barnet Newman, otro artista asociado con el movimiento, escribió: «Sentimos la crisis moral de un mundo en ruinas, un mundo destruido por una gran depresión y una feroz Guerra Mundial, y en ese momento era imposible pintar el tipo de pinturas que habíamos estado haciendo: flores, desnudos reclinados y gente tocando el violonchelo”[1]. Para los expresionistas abstractos, seguir la tradición artística no solo era irrelevante, sino irresponsable.

Es muy común que los artistas se sientan atraídos por corrientes filosóficas, dependiendo de su contexto social y de sus motivaciones. Los expresionistas abstractos simpatizaron con el existencialismo de Martin Heidegger y Jean-Paul Sartre. Ellos creían que una pintura, la lucha física del artista con sus materiales, podía llegar a servir como una marca perpetua de la existencia de una persona. Además, estuvieron influenciados por las ideas del psicólogo suizo Carl Jung[2]: los artistas del movimiento insistieron que sus sujetos no eran «abstractos», sino imágenes primitivas, profundamente arraigadas en el inconsciente colectivo de la sociedad. No buscaban solamente expresar sus emociones en sus pinturas, sino comunicar verdades universales sobre la condición humana.  

Ahora que sabemos un poco más acerca del Expresionismo Abstracto, vamos a adentrarnos en la pintura. Lo primero que notamos son los brillantes colores: violeta, negro, naranja, amarillo, blanco y rojo. Usualmente, estamos acostumbrados a que en una pintura el color esté vinculado al contenido narrativo- piensen en una imagen de la Crucifixión de Jesús, por ejemplo. La sangre será color rojo, la cruz será color café, los clavos serán negros, habrá zonas que requieran colores más oscuros para las sombras, otras que requieran colores más claros y brillantes para generar profundidad, etcétera. Primero se definen la historia y los elementos, y luego se eligen los colores que sean adecuados para la escena y las intenciones del autor. Sin embargo, en esta ocasión nos encontramos con que el color tiene un papel protagónico en la pintura: el color es el elemento y la forma y el sentimiento; la historia sin palabras empieza y termina con el color. 

Tomando en cuenta que no nos podemos detener en todos los posibles significados de cada elemento, y que, aunque lo hiciéramos, no sería un análisis completo, platiquemos sobre los colores.  Empezaré con el violeta (a mí me parece más rosa que violeta, pero el cuadro fue nombrado por personas que lo han visto en persona, así que lo trataremos como violeta). Este color, debido a su intensidad y a lo difícil que es de lograr, fue utilizado a lo largo de la historia del arte para representar a personajes importantes- usualmente personajes religiosos y de la realeza-, el equilibrio, el esplendor, la unión de los contrarios, y la eternidad. Aquí no aparece ninguna persona, y obviamente no se puede «pintar» la eternidad, solo vemos la idea. Luego, enmarcando el rectángulo violeta, hay dos líneas rojas. En el plano simbólico, el rojo es el color de la vida, representa la relación humana con la sangre y el fuego. El rojo se asocia al calor, a la vitalidad, al peligro, a la sexualidad y a la furia. Es importante notar que las líneas rojas son paralelas. En el arte, las líneas paralelas son consideradas equilibradas y armoniosas e implican un movimiento continuo e interminable. ¿Alguna vez han notado que siempre se pueden trazar líneas paralelas en las iglesias?

Partiendo el cuadro a la mitad y equilibrando la composición, tenemos una línea negra/rectángulo negro. El color negro es una caverna y un abismo, está asociado a la melancolía, al luto, a lo desconocido y al caos… pero también a la introspección, la purificación de las emociones y al entendimiento de uno mismo. En la parte inferior de la pintura tenemos un rectángulo naranja y uno amarillo. Estos dos colores cálidos están asociados al Sol, al cielo y a la felicidad. Alrededor de todos estos rectángulos tenemos el color blanco, que suele estar asociado a la pureza, al infinito, y al silencio.

No quiero decir “esta es la única explicación de la pintura”, porque el arte abstracto no funciona de esa manera, como mencioné al principio. Esto es solo una interpretación. En Violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo nos encontramos con las ideas de eternidad, de vida, abismo, felicidad, melancolía, pureza…todo dentro de una composición perfectamente equilibrada y simétrica. Aunque sería muy fácil decir: “cualquiera puede pintar rectángulos de colores, las cosas son lo que son”, quisiera solo sugerir que intentaran unir las ideas que hemos visto hasta ahora, y que intenten descifrar lo que significa para ustedes. A mí me llama la atención, por ejemplo, que el rojo/sangre de la vida contenga el concepto de eternidad. Me recuerda a unos versos del poema Augurios de Inocencia, de William Blake: “Ver un Mundo en un Grano de Arena / y un Cielo en una Flor Silvestre; / sostener el Infinito en la palma de tu mano / y la Eternidad en una hora”.

Algo muy interesante sobre las pinturas de Rothko, y que no es obvio al verlas en una pantalla, es que son muy grandes, a menudo más grandes que un ser humano. Este cuadro mide 207 x 167.6 cm. A lo largo de la historia del arte, la pintura monumental estuvo usualmente reservada para motivos religiosos, paisajes, escenas de guerra y personajes de la realeza. Los cuadros con esos temas debían inspirar asombro y reverencia, y una manera de lograrlo era forzando al espectador a ver hacia arriba. Una obra monumental, sobre todo en el ámbito religioso, puede fácilmente comunicar el mensaje “la idea representada en mí es más grande que tú”. Esto puede ser tanto negativo como positivo. En las catedrales góticas (como en la imagen de la catedral de Saint Denis, arriba), los enormes vitrales de colores en lo alto del edificio servían, entre otras cosas, para proporcionarle a los fieles un poco de la luz de Dios, para que se sintieran maravillados y reconfortados por un poder superior. ¿Qué nos dice que, en esta obra de Rothko, con tantas similitudes al arte religioso, hayan desaparecido los santos y los reyes y las reglas, y que no nos quede más que descubrir, desde lo más profundo de nuestro ser, lo que vemos dentro del cuadro? La pintura no tiene título; Violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo es tan solo un nombre elegido para no confundirnos con todos los demás cuadros del mismo autor… ¿será que Rothko era malo para ponerle título a sus cuadros o será que elegir un título para definirlo iría en contra de su propósito?

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[1] Barnett Newman, «Response to the Reverend Thomas F. Mathews,» en Revelation, Place and Symbol (Journal of the First Congress on Religion, Architecture and the Visual Arts), 1969

[2] Carl Jung considera que hay arquetipos que conforman un inconsciente colectivo, mucho más profundo que el inconsciente personal, y que son patrones de imágenes y símbolos recurrentes que aparecen bajo diferentes formas en todas las culturas.

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